Qué es una muestra si no es un homenaje? Una de la secciones más atrapantes de este Festival es Muestras. Un espacio en que se congregó a realizadores, todos ellos de disímiles orígenes, para exhibir algunos de sus film más representativos. A partir de una inmejorable excusa, como lo es el festival, podemos aproximarnos a lo que son restrospectivas infaltables en ese conocimiento cinéfilo, que una gran parte de los asistentes al evento profesa, estimula, cuida y acumula con pasión.

Los homenajeados son Haneke, LaBruce, Marker, Smith, Tarr, To, y Truffaut. Pero, indudablemente, lo más cautivante sea lo heteróclito de sus estilos. Desde el más polémico y pensante cineasta dedicado al cine Homocore, hasta un renombrado director y crítico francés.

Pero veamos más detalladamente quiénes son:

Michael Haneke

Haneke nació el 23 de marzo de 1942 en Munich. Su madre era actriz, su padre director. La niñez y la juventud las pasó en un suburbio de Vienna. Sus primeras tentativas en seguir una carrera artística como actor y como un pianista fueron intentos fallidos, así que estudió psicología y filosofía en una universidad en Vienna.

En 1973, Haneke dirigió su primera película para la televisión. Durante los próximos quince años, dirigiría ocho películas para televisión e innumerables obras de teatro; sus obras abarcarían de Schiller a Bruckner, de Enquist a Strindberg. También se dedicará a la crítica.

En 1989 se estrenó "El Séptimo Continente", su primera película en 35 mm. Uno de sus temas centrales en su obra: la muerte de las emociones engendra el aumento de la violencia, ya estaba presente en su película para T.V. "Lemmings", (1979). Este era un retrato de la generación a la cual Haneke pertenecía, y que nació durante la Segunda Guerra Mundial. "El Séptimo continente" era la primera película en la trilogía de Haneke, luego vendría "Benny's Video" (1993), y por último: "71 Fragmentos en una cronología del azar", del 94.

En 1996, Haneke filmó una adaptación inteligente y expresiva de la novela de Kafka "El Castillo". Según él, a partir de Kafka la narrativa fragmentaria ha sido uno de las condiciones básicas para un enfoque de la realidad. Su film "Funny Games" ("Horas de terror") fue premiado en Cannes en 1997 y presentado en el Festival de Mardel del mismo año.

Respecto de su obra Haneke dijo: "Puedo dirigir un carácter en un cuento de tal manera que la suma de sus comportamientos no da una explicación suficiente para sus decisiones. La audiencia tendrá que encontrar uno."

Esta es una pista más que suficiente para encontrar sentido en su crítica e impiadosa obra.

Bruce LaBruce

Bruce LaBruce nació como Justin Stewart en Southampton, Ontario, Canadá, en 1964. El nombre Bruce se utilizaba en los años 50 como Marica, de ahí que sea interesante la reafirmación por reiteración.

Escritor, director y fotógrafo, para un circuito de la periferia se convirtió en el mejor referente contemporáneo del género Homocore o Queercore. Su obra es digna sucesora de las experiencia de Warhol, Morrisey, Smith y en cierto punto, hasta de Waters, aunque aquellos parezcan parientes pacatos de su estilo salvaje, urbano, abiertamente desprejuiciado y sexual.

No se puede dejar de señalar que su crítica a la sociedad es la más grande diferencia con un pornógrafo común. En su obra hay ideología, claro, además de sexo duro, frontal y homosexual.

En "No Skin Off My Ass", su ópera prima (1991), interpreta a un peluquero que se enamora de un joven skinhead. En una línea su persoanje dice: El único corte de pelo que tiene sentido hoy".

Después vendrían Super 8 1/2 (1994) y Hustler White (1996), presentada con vítores en Sundance, lugar donde fue etiquetado de "Cult".

LaBruce es un provocador como pocos, en sus film rehuye la convención para el cine Homo/Queer y construye su propio universo homoerótico, en donde hay fetichismo, cultura punk, erecciones, violencia, crítica social y algunos diálogos filosos que no parecen fáciles de digerir.

Chris Marker

Nació como Cristian Francois Bouche-Villeneuve, en Neuilly-sur-Seine, Francia, El 29 De Julio De 1921. Marker, uno de los que plantó la semilla de la Nouvelle Vague, ha estado filmando desde 1952. Se considera a la izquierda de la Nouvelle Vague por su política izquierdista y la manera en que su trabajo combinaba aspectos sociales con el experimento formal. Sus últimos films, en cambio, son reflexiones complejas en la cultura de la imagen (película, vídeo, fotografía) en la era postmoderna.

Marker es uno de los realizadores más innovadores que haya producido el cine. Sus películas exploran la intricada definición del cine mismo. Su reputación fue establecida por una serie brillantes documentales/ensayos que se produjeron en distintas y distantes partes el mundo, es decir, Finland, China, Siberia, Israel, Cuba, Japón. Su película más famosa es "Le Joli Mai" (1963), Un retrato de París en mayo de 1962.Es una obra clásica del cine-realidad, ya que mezcla entrevistas etnográficas con un autoretrato de autor. También son conocidas: "Cuba Si!" (1961), "El Tren en marcha" (1973), "Sunless" (1983).

Marker nunca buscó publicidad y, de hecho, la evitó. Este artista francés legendario en escritura, en cine y multimedia nunca ha concedido una entrevista. Aunque muchos cinéfilos encuentran similitudes entres sus obras y las de Francois Truffaut, Jean-Luc Godard y Akira Kurosawa, sus películas son difíciles de encontrar y hasta hace poco tiempo, se podían ver solamente en los festivales de la película. Como este es nuestro caso.

Su trabajo ha inspirado a directores de todo el mundo. La película de Terry Gilliam "Doce Monos" (1995) se basó en el "El Muelle"/"Jetee" (1964) de Marker. Recientemente su trabajo ha hecho uso de tecnologías audiovisuales nuevas y por supuesto, de la televisión. Marker, tempranamente, creó también un CD Rom que fue definido por el diario "Le Monde" como "un CD Rom del alma". Una opinión muy considerable.

Jack Smith

Jack Smith fue uno de los realizadores más influyentes y menos prolíficos de los 60. Su primer film, "Flaming Creatures" (1962), fue sorprendentemente bien recibido por la crítica pero no por el establishment. La censura hizo lo suyo pero Smith llegó hasta la Corte Suprema de Estados Unidos para defenderlo. Sin embargo el juicio se extendió tanto que Smith bajó los brazos y el film debió ceder a las normas del circuito comercial.

El trauma lo afecto tanto que no volvió a teminar una película. De hecho, "Normal Love" (1963) es material sin editar. Él es el verdadero creador del género Camp, sus películas influyeron definitvamente en Andy Warhol y John Waters.

Smith adoraba el encanto holywoodense y más precisamente a la Reina del Technicolor, Maria Montez. Pero también admiraba el terror, los musicales y el estilo exótico que las divas vestidas con pieles de animales practicaban. Alguno diría estilo "Bizarro" y ciertamente no estaría tan equivocado.

Béla Tarr

Es posible reconocer en Tarr dos etapas muy marcadas en su obra: la primera, en la que está muy influido por el "estilo Cassavettes" y en el que defiende el realismo socialista; y una segunda, en la que abandona el socialismo para adentrarse más en la decadencia moral y sus relaciones con la metafísica, influido por Tarkovski, quizá. Para abordar esa complicada temática Tarr se toma su tiempo.

Él pertenece a esa clase de realizadores europeos, de la otra Europa, que no tuvieron acceso a una educación en cine, de ahí que su obra se aleje de lo cinemtográfico y se acerque más a lo filosófico. Incluso, su postura frente al cine queda planteada desde su rechazo a una duración o a una edición común. Y si de récords presentes en el Festival se trata, su film "Sátántangó" de siete horas de duración, es un excelente ejemplo de ellos.

De Tarr se podrán ver y Werckmeister Harmonies, ésta última presentada en la última edición del festival de Cannes. Entre los dos films hay casi diez horas de material fílmico.

Johnny To

En el año 93 demostró una capacidad poderosa con "The Heroic Trio" y "Executioners", ambas protagonizadas por las inigualables Maggie Cheung, Michelle Yeoh y Anita Mui.

To se presenta en BAFICI no con estos, sino con otros cuatro films suyos (dos en cordirección con Ka Fai Wai). "Running Out of Time" y "The Mission", son dos espléndidos thrillers. Sin duda, Johnny To es un realizador que no le teme al cambio por eso mudó de género estratégicamente y apuntó a la comedia romántica, una menos negra que la otra: "Needing You" y "Help!!!". Instancia más que apropiada para ver y saber de qué se habla cuando se habla de Johnny To. Más de alguno encontrará lazos fuertes con John Woo.

François Truffaut

Probablemente el director francés más conocido por el público en general -dejando por el momento, la discusión de si existe UN solo público- y el más admirado por el norteamericano. También del que más huellas propias encontramos en sus films.

A los 15 años, Truffaut comenzó en el vicio del cineclub y pronto encontraría al que fuera su mentor, Andre Bazin, el mismo que fundara la mítica revista Cahiers du Cinema. En esa publicación Truffaut comenzó a analizar críticamente los films. Otros críticos jóvenes se reunieron en la redacción, algunos más o menos conocidos actualmente como Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Eric Rohmer y Jacques Rivette.

Truffaut analizó la obra de directores norteamericanos como John Ford y Howard Hawks. Escribió junto a otros redactores de la revista sobre los géneros de Hollywood, especialmente del policial negro.

Estos críticos jóvenes llevaron las películas de la industria a un nuevo nivel. Buscaron un "toque" personal que les permitiera reconocer y plasmar lo que se transformaría en la noción de AUTOR. Es decir, aquella fuerza expresiva detrás de cámara.

Prontamente la crítica no fue suficiente y se decidió a filmar sus propias películas. Actitud que fue seguida por varios de los redactores, algunos tuvieron que empeñar hasta sus máquinas de escribir para conseguir las cámaras.

La Nouvelle Vague fue la corriente que estos directores nuevos impulsaron y a la que muchos, más tarde o más temprano, adhirieron.

Su primer film "Los 4000 golpes"(1959), fue de corte autobiográfico y cuya última escena en la playa se convirtió rápidamente en el ejemplo clásico de la interpelación al espectador. Antoine Doinel, sería de ahí en adelante el alterego de Truffaut. Justamente lo interesante de la retrospectiva de Truffaut sea que Los films presentados en el BAFICI representan una vida entera, cuyo elemento en común se manifiesta por la presencia de Jean-Pierre Leaud, actor que personificó a Doinel desde "400 golpes", pasando por "Antoine y Colette" (parte de un film colectivo) del año 65; el magnífico "Besos Robados", después vendrá la etapa de matrimonio con "Domicilio conyugal" y finaliza con "El amor en fuga" del 78, film con una interesante "resumen", a modo de flashbacks de la vida de Doinel, a partir de los films nombrados.

Truffaut sostuvo una larga y profunda amistad con Alfred Hitchcock, hasta llegó a decir "Si el cine fuera una religión, Hitchcock sería el gran sacerdote." Esta relación de años resultó en un libro que registra esas conversaciones. Una verdadera obra elemental para quien guste del cine.

En 1984 Truffaut murió de un tumor cerebral.

Las copias de gran calidad de "Los cuatrocientos golpes", "Antoine et Colette" (episodio de El amor a los veinte años), "Besos robados", "Domicilio conyugal" y "El amor en fuga", pueden ser la mejor oportunidad para auscultar esa complicidad entre Truffaut y su personaje Antoine Doinel, y también, por qué no, la de Jean-Pierre Leaud.